Belcanto – tai virtuoziško dainavimo technika. Vokalinis mokymas. operinis dainavimas

2025 Autorius: Leah Sherlock | [email protected]. Paskutinį kartą keistas: 2025-01-24 17:53

Ilgos muzikinių frazių eilutės, melodingi fragmentai ir malonės, nuostabus balso valdymas ir ištobulintas virtuoziško dainavimo grožis. XVI–XVII amžių sandūroje Italijoje iškilo dainavimo mokykla, pasauliui suteikusi atlikimo vokalo techniką, kurią godūs pretenzingų terminų italai pavadino bel canto (bel canto) – „gražus dainavimas“. Neperdėkime, pažymėdami šį laikotarpį kaip teatrinio vokalo klestėjimo pradžią ir atspirties tašką tolimesnei operos žanro raidai.

Operos gimimas: Florencija

Pirmosios operos, pasirodžiusios aprašytu laikotarpiu, už savo gimimą priklauso nedideliam senovės meno mylėtojų ratui, susiformavusiam Florencijoje ir į muzikos istoriją įrašytas pavadinimu „Florence Camerata“. Senovės graikų tragedijos gerbėjai svajojo atgaivinti buvusią šio žanro šlovę ir laikėsi nuomonės, kad aktoriai nekalbėjo, o dainavo žodžius, rečitatyvą, melodingą sklandų garsų perėjimą, kad atkurtų tekstą.

Pirmieji kūriniai, parašyti senovės graikų mito apie Orfėją siužetu, tapo postūmiu gimti naujam muzikos žanrui- operos. O solo vokalinės partijos (arijos), kurios buvo neatsiejama jos dalis, privertė dainininkus rimtai užsiimti balso lavinimu, o tai ir buvo gražaus dainavimo meno - bel canto - atsiradimo priežastis. Tai reiškė galimybę ilgai kvėpuojant atlikti užsitęsusius melodijos fragmentus, išlaikant sklandų garso atkūrimą visos muzikinės frazės metu.

Neapolio mokykla

XVII amžiaus pabaigoje susiformavo neapolietiška operos tradicija, pagaliau įtvirtinusi bel canto meną teatro scenoje. Tai buvo ir Florencijos idėjos plėtra, ir jos pasikeitimas. Neapolyje pagrindinė spektaklio sudedamoji dalis tapo muzika ir dainavimas, o ne poezija, kuriai iki tol buvo skiriamas dominuojantis vaidmuo. Ši naujovė nudžiugino publiką ir sukėlė didelį entuziazmą.

Neapolio kompozitoriai struktūriškai pakeitė operą. Jie neatsisakė vartoti rečitatyvų, kuriuos suskirstė į skirtingus tipus: akomponuojamus (akomponuojamus orkestrui) ir sausuosius, kuriuose pateikiama informacija, pateikiama šnekamuoju būdu iki retų klavesino akordų, siekiant išlaikyti muzikinę tonaciją. Atlikėjams privalomas tapęs vokalo mokymas padidino solinių numerių populiarumą, kurių forma taip pat pasikeitė. Atsirado tipiškų arijų, kuriose veikėjai jausmus išreiškė apibendrintai, susietai su situacija, o ne pagal įvaizdį ar personažą. Liūdnos, pašėlusios, kasdienės, aistringos, keršto arijos – Neapolio operos vidinė erdvė prisipildė gyvo turinio.

Alessandro Scarlatti (1660–1725)

Nuostabus kompozitorius ir entuziastas Scarlatti įėjo į istoriją kaip Neapolio operos mokyklos įkūrėjas. Sukūrė daugiau nei 60 kūrinių. Scarlatti sukurtas rimtosios operos (opera seria) žanras mitologinio ar istorinio siužeto pagalba pasakojo apie garsių herojų gyvenimą. Operinis dainavimas nustūmė dramatišką spektaklio liniją į antrą planą, o rečitatyvai užleido vietą arijoms.

Platus vokalinių partijų asortimentas rimtojoje operoje išplėtė reikalavimus, kuriuos turėjo atitikti operos balsai. Atlikėjai tobulino dainavimo meną, nors kartais tai sukeldavo kuriozų – kiekvienas iš jų norėjo, kad kompozitorius į operą įtrauktų arijas, palankiai pabrėžiančias balso orumą. Rezultatas buvo nesusijusių solo numerių rinkinys, dėl kurio operos serialas buvo vadinamas „kostiumų koncertu“.

Grožis ir meistriškumas

Kitas Neapolio operos mokyklos indėlis į bel canto raidą buvo ornamentinių (koloratūrinių) muzikinės paletės dekoracijų naudojimas vokalinėse partijose. Koloratūra buvo naudojama arijų pabaigoje ir padėjo atlikėjams pademonstruoti žiūrovams balso valdymo laipsnį. Puikūs šuoliai, triliai, diapazoniniai pasažai, sekos naudojimas (muzikinės frazės ar melodinio posūkio kartojimas įvairiais registrais ar klavišais) – taip išaugo bel canto virtuozų naudojama išraiškinga paletė. Tai lėmė tai, kad dažnai buvo vertinamas dainininko įgūdžių laipsnispagal jo atliekamos koloratūros sudėtingumą.

Italų muzikinė kultūra kėlė aukštus reikalavimus. Garsių dainininkų balsai išsiskyrė grožiu ir tembro sodrumu. Vokalo lavinimas padėjo pagerinti atlikimo techniką, pasiekti tolygų ir sklandų garsą visuose diapazonuose.

Pirmosios oranžerijos

Dėl bel canto paklausos susikūrė pirmosios švietimo įstaigos, rengiančios dainininkus. Vaikų namai – oranžerijos – tapo pirmosiomis muzikos mokyklomis viduramžių Italijoje. Juose buvo mokoma bel canto technikos mėgdžiojimo, kartojimo po mokytojo pagrindu. Tai paaiškina aukštą to meto dainininkų parengimo lygį. Juk jie mokėsi pas tokius pripažintus meistrus kaip Claudio Monteverdi (1567–1643) ar Francesco Cavalli (1602–1676).

Mokiniams buvo sudaryti specialūs balso lavinimo, solfedžio pratimai, kuriuos teko kartoti, tobulinant dainavimo techniką ir lavinant kvėpavimą – bel canto taip būtinus įgūdžius. Tai lėmė tai, kad nuo 7-8 metų pradėję treniruotis, 17 metų iš oranžerijos sienų iškilo profesionalūs operos scenos atlikėjai.

Gioachino Rossini (1792–1868)

Italų bel canto savo pasirodymu iš anksto nulėmė operos muzikinės kultūros raidą ateinantiems trims šimtmečiams. Jos raidos etapu tapo italų kompozitoriaus G. Rossini kūryba. Vokalinių partijų ritminė energija, spindesys ir mobilumas pareikalavo iš atlikėjų sodrios tembrinės įvairovės, virtuoziškumo irišskirtinė dainavimo mokykla. Netgi Rossini kūrinių dainų arijos ir rečitatyvai reikalavo visiško atsidavimo.

Rossini melodizmas atvėrė kelią klasikiniam bel canto, išsiskiriančiam frazių išbaigtumu, švelnia ir erdvia švara, laisvai tekanti lygi melodija (kantilena) ir jausmingai didingu užsidegimu. Pastebėtina, kad pats kompozitorius apie dainavimo meną žinojo iš pirmų lūpų. Vaikystėje jis dainavo bažnyčios chore, o suaugęs, be kūrybos, entuziastingai atsidėjo vokalo pedagogikai ir net parašė keletą knygų šia tema.

Pedagogika

Itališkas operinis dainavimas, tapęs XVII–XIX amžiaus Europos muzikinės kultūros simboliu, atsirado gabių novatoriškų mokytojų, kurie studijavo vokalą ir eksperimentavo su žmogaus balsu, tobulinant jo skambesį, darbo dėka. Jų raštuose aprašytos technikos vis dar naudojamos ruošiant dainininkus.

Nė viena smulkmena nepaliko mokytojų dėmesio. Mokiniai suvokė laisvo ir lengvo dainuojamojo kvėpavimo paslaptis. Balso lavinimas turėjo vidutinį garso stiprumą, trumpas melodingas frazes ir siaurus intervalus, todėl buvo galima naudoti kalbinį kvėpavimą, kuriam būdingas greitas ir gilus kvėpavimas, po kurio seka lėtas iškvėpimas. Sukurti pratimų kompleksai, skirti lavinti vienalytę garso kūrimą aukštuose ir žemuose registruose. Netgi treniruotės prieš veidrodį buvo pradedančiųjų atlikėjų mokymo kurso dalis – perdėta veido išraiška ir įtempta veido išraiška išdavė konvulsinį darbąbalso įrenginys. Rekomendavo būti laisvai, stovėti tiesiai ir šypsotis, kad garsas būtų aiškus ir artimas.

Naujos dainavimo technikos

Sudėtingos vokalinės partijos, dramaturgija ir teatro pasirodymai dainininkams kėlė sunkių užduočių. Muzika atspindėjo vidinį veikėjų pasaulį, o balsas tapo neatsiejama bendro sceninio vaizdo dalimi. Tai aiškiai pasireiškė G. Rossini ir G. Verdi operose, kurių kūryba žymėjo bel canto stiliaus iškilimą. Klasikinė mokykla manė, kad priimtina naudoti falcetą aukštomis natomis. Tačiau dramaturgija atmetė šį požiūrį – herojiškoje scenoje vyriškas falcetas įžengė į estetinį disonansą su emociniu veiksmo koloritu. Pirmasis šį balso slenkstį įveikė prancūzas Louisas Dupre, pradėjęs naudoti garso kūrimo būdą, kuris nustato fiziologinius (gerklų susiaurėjimas) ir fonetinius (kalba „Y formos“padėtyje) vokalo apsaugos mechanizmus. aparatas ir vėliau vadinamas „uždengtu“. Tai leido sudaryti viršutinę garso diapazono dalį neperjungiant į falsetą.

Giuseppe Verdi (1813–1901)

Apžvelgiant operos vokalinį meną, neįmanoma nepaisyti didžiojo italų kompozitoriaus G. Verdi figūros ir kūrybinio paveldo. Jis pertvarkė ir reformavo operą, įvedė siužetinių kontrastų ir opozicijų. Jis pirmasis iš kompozitorių aktyviai dalyvavo kuriant siužetą, scenografiją ir pastatymą. Jo operose dominavo tezė ir antitezė, jausmai ir kontrastai siautė, vienijokasdieniškas ir herojiškas. Šis požiūris padiktavo naujus reikalavimus vokalistams.

Kompozitorius kritikavo koloratūrą ir teigė, kad triliai, grakštumo natos ir grupetos negali tapti melodijos pagrindu. Ornamentinių dekoracijų kompozicijose beveik nėra, lieka tik soprano partijose, o vėliau visiškai išnyksta iš operos partitūrų. Vyriškos dalys kulminacijose buvo perkeltos į viršutinį registrą, naudojant jau anksčiau aprašytą „uždengtą garsą“. Baritono partijų atlikėjai buvo priversti perstatyti vokalinio aparato darbą iš aukštos tesitūros (garsų išdėstymas aukštumoje, palyginti su dainavimo diapazonu), padiktuotas personažų emocinės būsenos atspindžio. Dėl to atsirado naujas terminas – „Verdi baritonas“. G. Verdi kūryba, 26 gražios operos, pastatytos „La Scala“teatre, pažymėjo antrąjį bel canto – tobulo balso įvaldymo meno – gimimą.

Pasaulio turas

Lengvas ir grakštus vokalo stilius negali būti laikomas vienos būsenos ribose. Didžioji Europos dalis pamažu pateko į jo kerus. Gražus dainavimas užkariavo pasaulio teatro sceną ir turėjo įtakos Europos muzikinės kultūros raidai. Susikūrė operos režisūra, gavusi „belkantos“pavadinimą. Stilius išplėtė taikymo ribas ir perėjo į instrumentinę muziką.

Virtuoziška F. Šopeno (1810-1849) melodija sintezavo lenkų liaudies poetiką ir italų operą bel canto. Svajingos ir švelnios J. Masnet (1842-1912) operų herojės alsuoja belkantišku žavesiu. Stiliaus įtaka pasirodė tokia didelė, kad jo įtaka muzikai tapo išties grandiozinė – nuo klasicizmo iki romantizmo.

Kultūrų sujungimas

Didysis kompozitorius M. I. Glinka (1804-1857) tapo rusų klasikos pradininku. Jo orkestrinis raštas – didingai lyriškas ir kartu monumentalus – alsuoja melodija, kurioje matomos ir liaudies dainų tradicijos, ir belkantiškas italų arijų rafinuotumas. Jiems būdinga kantilena pasirodė panaši į ištemptų rusiškų dainų melodingumą – teisinga ir išraiškinga. Melodijos vyravimas prieš tekstą, tarpskiemeniai giesmės (dainuojamas atskirų skiemenų kirčiavimas), kalbos pakartojimai, sukuriantys melodijos ilgį – visa tai M. I. Glinkos (ir kitų rusų kompozitorių) kūriniuose buvo nuostabiai harmoningai derinama su italų operos tradicijas. Tęsiančios liaudies dainos, anot kritikų, nusipelnė „Rusijos bel canto“titulo.

Žvaigždžių repertuare

Puikus italų bel canto era baigėsi XX a. 2 dešimtmetyje. Pirmojo amžiaus ketvirčio kariniai ir revoliuciniai lūžiai perbraukė normatyvinę romantinio operinio mąstymo esmę, ją pakeitė kryptimis suskirstytas neoklasicizmas ir impresionizmas, modernizmas, futurizmas ir kt. Ir vis dėlto garsieji operos balsai nesiliovė atsigręžę į italų klasikinio vokalo šedevrus. „Gražaus dainavimo“meną puikiai įvaldė A. V. Neždanovas ir F. I. Chaliapinas. Nepralenkiamas šios dainavimo krypties meistras buvo bel canto ambasadoriumi Rusijoje vadinamas L. V. Sobinovas. Puikios Maria Callas (JAV) ir Joan Sutherland (Australija), kolegų pagerbtos „Šimtmečio balso“titulu, lyrinis tenoras Luciano Pavarotti (Italija) ir nepralenkiamas bosas Nikolajus Gyaurovas (Bulgarija) – jų menas buvo paremtas meninis ir estetinis italų bel canto pagrindas.

Išvada

Naujos muzikinės kultūros tendencijos nesugebėjo pranokti klasikinės italų bel cante operos spindesio. Jaunieji atlikėjai po truputį semiasi ankstesnių metų meistrų užrašuose išsaugotos informacijos apie taisyklingą kvėpavimą, garso kūrimą, balso skulptūrą ir kitas subtilybes. Tai nėra tuščias pomėgis. Įmantri publika pažadino poreikį ne išgirsti modernią klasikinių kūrinių interpretaciją, o pasinerti į patikimą laikiną nepriekaištingo dainavimo meno erdvę. Galbūt taip bandoma įminti bel canto fenomeno paslaptį – kaip moteriškų balsų draudimo ir pirmenybės aukštam vyriškam registrui epochoje galėjo gimti dainavimo kryptis, išgyvenusi šimtmečius ir paversta darnia sistema, keliems šimtmečiams padėjo pagrindą profesionalių vokalistų rengimui.